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En el silencio del Aire

En el silencio del Aire

En el silencio del aire

Rosa Castellot

09/03/2023     14/05/2023

La exposición de Rosa Castellot en la Sala Amós Salvador debería contextualizarse como un recorrido por la obra de una artista en un momento clave de su trayectoria: la concesión del Galardón de las Artes y la Cultura de La Rioja 2022 por parte del Gobierno riojano.

Rosa Castellot posee una sólida carrera que forma parte de los mejores momentos del arte contemporáneo de La Rioja. Sirvan como ejemplo el festival Arte en la Tierra, que comisaría y promueve desde hace veinte años en Santa Lucía de Ocón, la formación de jóvenes artistas y diseñadores a través del magisterio desempeñado en su extensa carrera docente en la Esdir o, sobre todo, la producción de una obra absolutamente singular dentro del género del paisaje. Rosa Castellot es una de las artistas que mejor ha comprendido y cultivado este género dentro de la plástica riojana. Pensamos que esta exposición representa la oportunidad de hacer un repaso a través de sus creaciones y poder contemplar su trabajo con una adecuada perspectiva temporal.

La exposición está compuesta por ciento cuarenta y tres obras distribuidas en tres capítulos que organizan uno de los posibles recorridos para disfrutarla.

EL ESTUDIO. Este primer capítulo está dedicado a un lugar similar a un laboratorio. Los conceptos y elementos de la naturaleza son traídos al estudio para convertirse en apuntes o dibujos preparatorios y, en otras ocasiones, en obra definitiva. Las condiciones de creación en este lugar, íntimo y privado, están siempre bajo el control absoluto de la artista.

EL JARDÍN. El segundo capítulo supone un paso preliminar desde lo interior a lo exterior, un recorrido transitable, evidentemente, también en sentido contrario. El Jardín es un espacio natural modelado a voluntad en el que se establece una relación pactada con la naturaleza a través del cuidado, la observación y, en este caso, el dibujo.

EL PAISAJE. El tercer capítulo representa un diálogo artístico con un universo que impone unas condiciones y una escala incontrolables. La artista se convierte en la traductora de las circunstancias físicas del territorio para convertirlas en la esencia de una obra que transcribe admirablemente elementos como el clima, las estaciones o los cambios de luz en el paisaje.

La exposición cuenta también con un vídeo documental sobre Castellot realizado por Bernardo Sánchez y Félix Guerra, un autorretrato y tres retratos realizados por Félix J. Reyes, Juan José Gómez Molina y Rafael Lafuente.

TEXTO COMISARIO

Vivir en Santa Lucía de Ocón, habitar una Reserva de la Biosfera, implica relacionarse de manera privilegia-da con el paisaje. La decisión de Rosa Castellot de mudarse a vivir al valle de Ocón, supuso, artísticamente, abrazar un mundo que, de manera inevitable, se fue colando en su estudio y ganando espacio entre sus obras. El paisaje entró en el estudio de Santa Lucía, una atalaya con nombre ideal para el trabajo y la contemplación. Un espacio que representa, desde entonces, el lugar en el que Rosa filtra los elementos del paisaje para mate-rializar, con determinación, su continuo diálogo con la naturaleza.

En esta exposición tenemos la fortuna de poder acompañar a la artista en un paseo que comienza en su estudio, donde ocurre todo; salir al jardín, convertido en un primer paso controlado hacia la naturaleza y, seguidamente, adentrarnos con la autora en un terreno donde lo imprevisible e incontrolable se apodera de un paisaje en el que Rosa se reafirma, amparándose en su mirada extraordinaria.

En el silencio del aire, título de esta exposición y un verso último de Juan Ramón Jiménez, pretende ofrecer el tono a un recorrido en el que, efectivamente, habla el silencio más que el ruido y en el que la vida es más importante que las cosas.

Carlos Rosales

BIOGRAFÍAS

Rosa Castellot nace en Madrid el 2 de diciembre de 1942. Desde 1966 reside en La Rioja. Vive y trabaja en Santa Lucía de Ocón, una pequeña localidad riojana. En 1956 ingresa en la Escuela de Artes y Oficios nº 2 de Madrid, donde estudia dibujo y modelado. Recibe clases de dibujo y pintura en la academia Peña durante el curso 1962-63. En 1963 ingresa en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando de Madrid obteniendo el título de Profesora de Dibujo en la sección de pintura en 1969, y la Licenciatura por la Facultad de Bellas Artes de la UCM en 1982.

Castellot ejerce la docencia desde 1969 hasta 2002, dos cursos en el Instituto Práxedes Mateo Sagasta de Logroño como profesora de Dibujo y treinta y uno en la Escuela de Arte de Logroño como profesora de Proyectos, siendo profesora titular por oposición desde 1982. En diciembre de 2002 se retira de la enseñanza para dedicarse a su obra personal. Desde esa fecha ha realizado exposiciones individuales en Logroño, Vitoria, Santander, Valladolid, Madrid, Salamanca, Cáceres, Las Palmas de Gran Canaria, Briñas (La Rioja) y Zaragoza y ha participado en numerosas colectivas.

Desde el año 2003, Rosa Castellot es codirectora junto a Félix J. Reyes de la actividad Arte en la Tierra, en Santa Lucía de Ocón (La Rioja), un festival de arte en el entorno rural de referencia a nivel nacional. En 2016, el Ayuntamiento de Serrada, Valladolid, les concedió a ambos el premio Racimo por esta actividad. En 2016 fue concedido a Castellot el Premio Mujeres en el Arte en la Rioja por su trayectoria profesional. En 2022 recibe el Galardón de las Artes y la Cultura de La Rioja, en reconocimiento a su polifacética carrera como creadora y a su trabajo como maestra de artistas.

Su obra se encuentra en colecciones públicas como en la Dirección General de Cultura y Turismo del Gobierno de La Rioja, el Parlamento de La Rioja, la Fundación para la Biodiversidad (Madrid), el Museo del Dibujo Castillo de Larrés (Huesca), la Diputación de Valladolid, la Fundación Caja Rioja-Bankia (Logroño, La Rioja). Y en numerosas colecciones privadas, diseminadas por España, Italia, Reino Unido, Bélgica y Estados Unidos.

Carlos Rosales (Haro, 1964) es comisario de exposiciones, artista y profesor de audiovisuales de Bachillerato Artístico del IES Batalla de Clavijo de Logroño. Compagina su labor docente con la creación artística en su estudio en Briñas. Ha expuesto en numerosas salas, galerías y museos; y a participado en festivales regionales como Lovisual, en el que obtuvo el Premio Illy Lovisual, y Actual, entre otros. En 1998 recibió el segundo premio del I Certamen de Pintura Parlamento de La Rioja.

Como comisario forma parte del equipo de Arte en la Tierra y el Museo de Arte Contemporáneo del Camino. Fue director artístico de los Encuentros de Arte de Sajazarra desde el año 1998 hasta 2012.

Comisario:
Carlos Rosales

Produce:
Sala Amós Salvador – Cultural Rioja

Autosuficiencia

Autosuficiencia

Autosuficiencia

Enrique Marty

15/12/2022     19/02/2023

A finales de 1981 un recién creado grupo de música punk llamado Parálisis Permanente, liderado por Eduardo Benavente, publicó la canción Autosuficiencia, desde entonces es uno de los himnos más importantes de la música popular española. Al poco tiempo, se incorporaría Ana Curra a los teclados del grupo y sería el elemento clave desde entonces.

El 14 de mayo de 1983 Eduardo moriría con solo 20 años en un accidente de tráfico en Alfaro, La Rioja. A pesar de la corta vida de este grupo, su huella es inmensa. La canción, con una letra magnífica de Nacho Canut, fue elegida en 2020 por el diario El País como la canción más importante de la historia del punk en España. Ana Curra, desde 2012, por el 30º aniversario de la banda, volvió a interpretar los temas de la misma reactualizándola en cada uno de sus conciertos en solitario.

En 2020, unos días antes del confinamiento impuesto por la pandemia reciente, Ana Curra y Enrique Marty presentaban el vídeo de una canción titulada Fundido en Negro, a través de la cual parece que se estaba presentando el horror de aislamiento y muerte que la humanidad viviría esos meses. Un año más tarde, los mismos artistas presentarían una segunda colaboración en el vídeo de la canción Hiel (2021), que seguía la estela conceptual de la primera obra.

Autosuficiencia es el título de esta exposición que parte de dos objetivos: presentar el estudio del propio artista plástico como un lugar dinámico y autosuficiente y al mismo tiempo hacer un homenaje a Ana Curra, una de las personas esenciales en el punk-rock en las últimas décadas en España, todo ello bajo la experiencia que el confinamiento nos ha dado.

Se trata de generar una estancia a través de la reconstrucción del estudio del artista, un lugar donde entre grandes cajas de embalajes aparecen multitud de obras de diferentes etapas de la trayectoria de Enrique Marty. Como motivo de esta oda a la autosuficiencia del estudio, de esta gran torre de marfil particular, la figura de Ana Curra, como gran musa, preside la estancia. Una escultura en la que la cantante aparece transformada en el propio Zeus con el rayo en la mano, recibe al espectador que a partir de ahí puede deambular por un caótico espacio cargado de obras y de estímulos. Pintura, escultura, vídeo, dibujo, escenografía, instalación… todo el inmenso mundo formal de Enrique Marty vertido para convertir la Sala Amós Salvador en un espacio habitable.

Con esta acumulación en torno a esta musa se pretende ofrecer la riqueza de lenguajes y voces en las que se basa la obra de uno los artistas más importantes del arte español de las últimas décadas, alguien que ha sido capaz de trascender la pintura hacia diferentes ámbitos siempre desde sus temáticas nada complacientes en la que desnuda los convencionalismos y los maquillajes a través de los cuales deambula el ser contemporáneo.

Enrique Marty (Salamanca,1969) es uno de los artistas españoles más destacados de su generación gracias a su capacidad para desarrollar un trabajo en el que replantea diferentes pilares de la cotidianidad como la familia o las relaciones personales intentando ver su lado oculto e incluso sórdido y siniestro. Aunque es la pintura su principal herramienta en su prolífica obra, ha trabajado indistintamente con el dibujo, la escultura, el vídeo o la instalación. Su acercamiento a la música le ha hecho al mismo tiempo desarrollar diferentes vídeos musicales utilizando la antigua técnica de animación de stop motion

Es licenciado en Bellas Artes en la Universidad de Salamanca (1992). Obtuvo la prestigiosa Beca de la Fundación Marcelino Botín (1996-1997). Ha expuesto, de forma individual desde 1998 en Bélgica, México, Corea, Alemania, Holanda, EEUU, España, Australia, Argentina, Italia o Brasil. Destacan sus individuales en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, MUSAC o Museo Lázaro Galdiano.  Además de importantes colecciones privadas tiene obras en las siguientes colecciones: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, MUSAC, Da2 de Salamanca, ARCO, Troubleyn Laboratorium, ARTIUM de Vitoria, CAB Burgos, Museo Patio Herreriano, Het Valkhof Museum, Ozil Collection, Fundación Marcelino Botín, INJUVE, Museo Marugame Hirai (Japón), Colección Unicaja, Junta de Castilla y León, Universidad de Salamanca, Ayuntamiento de Almagro, Pelayo Mutua de Seguros, Consejería de Cultura de la Región de Murcia.

Rafael Doctor Roncero (Calzada de Calatrava, Ciudad Real, 1966). Historiador del arte, gestor cultural, editor, escritor y comisario independiente. En 1989 crea y dirige la revista alternativa Apartado 14.479. En 1993 comisaría su primera exposición en el Canal de Isabel II, lugar del que trabajaría en la programación hasta el año 2000. Entre 1997 y 2000 dirige el Espacio Uno del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía donde realiza casi una treintena de exposiciones como comisario. En 2002 trabaja en la programación artística de Casa de América de Madrid. Desde 2002 a 2009 crea y dirige el MUSAC Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León. En 2010 dirige la Fundación Santander 2016. Desde 2010 hasta la actualidad dirige los Encontros de Artistas Novos en Santiago de Compostela.  De 20017 a 2019 fue director del Centro Andaluz de la Fotografía. Es Presidente de la Asociación Capital Animal. Director de la editorial Los Doscientos y creador de Monsters for Animals. 

Comisario:
Rafael Doctor Roncero

Produce:
Sala Amós Salvador – Cultural Rioja

Colabora:
Ana Curra

Autosuficiencia — Exposición de Enrique Marty

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Pan y circo

Pan y circo

Pan y circo

Arte y alimentación

15/09/2022     20/11/2022

La alimentación es uno de los retos más importantes para un futuro sostenible. En la época actual, además de la preocupación por conseguir alimentos, debemos lidiar con la elección de la comida, un asunto complejo y confuso, dominado por la publicidad y los medios de comunicación. Nos movemos entre la desnutrición por falta de alimentos y la sobrealimentación promovida por la industria. Entre la búsqueda de una vida saludable y dar rienda suelta a nuestros deseos y ansiedades. Todo ello compone un estado alterado, un comensal desorientado y graves problemas de salud y medioambientales. Más allá de lo puramente nutricional, encontramos respuestas a este desajuste en la aceleración de la sociedad actual, en su estilo de vida o en el caos informativo que predomina en un asunto tan relevante como el alimento.

Este proyecto expositivo reflexiona de forma global sobre la situación de la cuestión alimentaria. Son muchos los temas que se entretejen en la alimentación y el comer, por lo que es un asunto que debe ser abordado de una forma multidisciplinar. Pan y circo aborda la problemática de la alimentación desde varias perspectivas diferentes: alimentación y salud; alimentación y cánones corporales; la estética del gusto; los excesos de la industria alimentaria; publicidad, medios de comunicación y comida; y la tierra finita. Asimismo, la alimentación es un asunto complejo en el que los hechos implicados se entrelazan y sobreponen.

“Pan y circo”, frase popular que tiene su origen en la locución latina panem et circenses, proviene de la «Sátira X» del poeta romano Juvenal, en la que alude a la práctica política de ofrecer comida barata y entretenimiento al pueblo como estrategia para controlarlo y silenciarlo: «Hace ya tiempo, desde que no le vendemos los votos a nadie, que el pueblo se ha deshecho de preocupaciones; pues aquel que en otro tiempo otorgaba el mando, las fasces, las legiones, todo, ahora se aguanta y solo desea con ansia dos cosas: pan y juegos de circo». Hecho que, con otras vestiduras, sigue ocurriendo en la época actual, donde la sociedad del espectáculo y los medios de comunicación desbordan nuestras mentes, mientras las grandes industrias de la alimentación atiborran nuestros estómagos.

Pan y circo quiere concienciar sobre la importancia del alimento y sus consecuencias para los seres que habitamos este planeta y para el planeta mismo, invitando a repensar el hecho alimenticio en su totalidad. Este acercamiento se sitúa en el análisis y la reflexión como un primer paso para abrir la puerta a la activación, al cuestionamiento y la búsqueda de nuevos modelos de alimentación.

COMISARIA

Alicia Ventura

Historiadora del Arte por la Universidad de Valencia y músico de formación, desarrolla numerosos proyectos relacionados con arte y empresa, arte y salud y numerosas curadorías en instituciones públicas y privadas. Destacan la dirección y desarrollo del Programa DKV Arteria y de su colección, el proyecto cuidArt del Hospital de Dénia, el Congreso Internacional de Espacios de Arte y Salud, que ya ha celebrado cuatro ediciones, y el Premio Cervezas Alhambra de Arte Emergente desde su primera edición. Como comisaria independiente ha realizado numerosos proyectos en museos y fundaciones, con exposiciones individuales, colectivas, y de colecciones privadas, así como proyectos curatoriales en ferias de arte.

Comisaria:
Alicia Ventura

Produce:
Sala Amós Salvador – Cultural Rioja

Colabora:
Centro de Cultura Contemporánea Conde Duque (Madrid)

Artistas:
Greta Alfaro
Saelia Aparicio
Rosalía Banet
Basurama
Bene Bergado
Gabriela Bettini
Tania Blanco
Daniel Canogar
Marta Fernández Calvo
Peter Foldes
Manuel Franquelo
Ángel Marcos
Antoni Miralda
Asunción Molinos Gordo
Santiago Morilla
Enrique Radigales
Estíbaliz Sádaba
Santiago Talavera
Carles Tarrassó
Eulalia Valldosera
Winkler + Noah

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Illegal tender

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Del 7 al 20 de noviembre 
Sala de Exposiciones del Ayuntamiento

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Del 7 al 20 de noviembre 
Sala de Exposiciones del Ayuntamiento

Volver al padre

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Abel Azcona

02/06/2022     21/08/2022

Nos encontramos ante la exposición individual más íntima, personal y biográfica de Abel Azcona. La muestra invita al visitante a viajar junto al artista en un recorrido performativo, fotográfico y audiovisual que ha supuesto una travesía al pasado, concretamente treinta años atrás. «Volver al Padre» es un viaje iniciático detonado con la intención de restablecer un vínculo dañado, pero no limitándose a dejarlo atrás sino retomándolo de forma cruda y directa.

El 27 de abril de 1991, el pequeño Abel, de tres años de edad, fue secuestrado por la persona que había asumido su paternidad a efectos legales. Seis meses más tarde fue encontrado en un pequeño pueblo de Extremadura, en un estado cercano a la desnutrición, y habiendo perdido, según los informes oficiales, la «alegría de vivir». Treinta años más tarde, el artista Abel Azcona desarrolla una estremecedora obra en tres momentos. El primero de ellos supone la repetición exacta del viaje junto a la persona que le secuestró. Un año después, Azcona invita al coprotagonista de la obra a formar una instalación corporal mediante performance ante la mirada del público asistente en la Sala Amós Salvador de Logroño. Finalmente, esta misma sala acoge esta muestra expositiva que recopila toda la documentación, cerrando el proceso de varios años de duración.  

En la obra de Azcona son comunes los diálogos continuos con la figura materna. En esta obra de regresión, camina hacia atrás hasta reencontrarse con la figura paterna según su expediente de adopción y papeles de abandono. Una figura paterna que en realidad no lo es, al ser pareja esporádica de su madre a la que conoció embarazada de Abel. La exposición está acompañada de otras obras de Abel Azcona que abordan la paternidad y la masculinidad de diferentes modos. En Expediente 09872, Azcona muestra su propio expediente de los servicios de Bienestar Social. A lo largo de ciento veintiocho páginas encontramos situaciones concretas que llevaron al desamparo y abandono de Azcona siendo menor, posibilitando al espectador conocer e intimar con cada una de las experiencias infantiles y vitales que le han formado como artista y como persona. En este expediente aparece un cartel de búsqueda que repartió treinta años atrás la Policía Nacional por todo el país, documento clave y detonante de la obra «Volver al padre». Además del expediente completo podemos ver Los padres, la primera obra que realizó el artista en torno a la figura paterna, un mural con retratos descriptivos de hombres que pagaron por emplear sexualmente a cada una de las mujeres que participaron en esta pieza.

«Este performer mantiene siempre su actitud de rebeldía y resistencia, desafiando lo “correcto”, plantando cara a la mediocridad, asumiendo la “interpelación ideológica” de la anormalidad. Tienen razón aquellos que le acusan de ser un extremista, especialmente cuando les recuerda la violencia que encubren y potencian».

Fernando Castro Flórez

Abel Azcona nació el 1 de abril de 1988, fruto de un embarazo no deseado. Su madre, una joven politoxicómana que ejercía la prostitución, le abandonó a los pocos días de nacer, y sus primeros años de vida se desarrollaron entre situaciones continuadas de maltrato, abuso y abandono.

Como artista ha realizado más de doscientas exposiciones en importantes instituciones como el Arsenal de Venecia, el Museo de Arte Moderno de Bogotá, el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, el Palais de Tokyo, Fabra i Coats de Barcelona, el Palacio Nacional de Bellas Artes de Bangladesh o el Arte League de Houston. Su ciudad de origen, Pamplona, el Palacio de las Artes de Nápoles, el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá y el Museo Arqueológico y de Arte Contemporáneo de Ecuador le han dedicado diversas muestras retrospectivas con la totalidad de su obra. Auténtica figura dentro del arte contemporáneo europeo, se le ha otorgado el sobrenombre del «enfant terrible del arte contemporáneo español». Fue elegido por la prensa inglesa mejor artista internacional de performance en 2014.

«Nuestro propósito fundamental como artistas de performance es poner en escena el miedo primordial al dolor, a la muerte y a todo lo que compartimos en nuestras vidas, para posteriormente mostrarlo y evidenciarlo frente a una audiencia. Lo revisamos, somos conscientes y le decimos a la audiencia: «Este es tu espejo; si yo puedo hacer esto en mi vida, tú puedes hacerlo en la tuya». Azcona vive en un viaje continuo de transformación. Su cuerpo y su potencia de trabajo han demostrado hasta la fecha una resiliencia radical por medio de acciones derivadas de su historia personal».

Marina Abramović

Volver al padre — Exposición de Abel Azcona

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He aprendido que tienes que rezar por lo que no conoces

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Obras de la Colección SOLO

03/03/2022     15/05/2022

La Colección SOLO es un proyecto internacional de apoyo a la creación contemporánea con base en Madrid y fuertes vínculos con Cantabria. Fundada por los empresarios Ana Gervás y David Cantolla, cuenta con una colección de arte que reúne obras de artistas nacionales e internacionales desde su constitución hace siete años. La exposición He aprendido que tienes que rezar por lo que no conoces (What I’ve learned is you have to pray about what you don’t know) reúne cuarenta y nueve obras —pertenecientes a treinta y siete artistas— de entre las más de 900 piezas que posee la colección. La selección es una invitación a contemplar la creación contemporánea desde la particular óptica que las obras de la Colección SOLO atesoran.

Concebida con la intención de aproximarnos al futuro más inmediato, la exposición —gracias a los vínculos y recíprocas influencias que establecen las obras seleccionadas entre sí— no entiende de jerarquías cultas o populares ni hace distinciones entre disciplinas artísticas. Así, las innovaciones tecnológicas beben de principios artísticos arraigados en la tradición plástica y, a su vez, la pintura, la escultura, el dibujo o la música se renuevan constantemente por influjo de estas nuevas realidades procedimentales. En este continuo fluir por técnicas y conceptos, la Colección SOLO va construyendo su idea de lo contemporáneo: el Antropoceno y sus consecuencias; lo monstruoso; el humor y la ironía; lo siniestro; el Apocalipsis y el colapso; o la deshumanización rampante, son algunos de los temas que podemos rastrear en las obras de esta muestra.

De este modo, podemos explorar nuestro tiempo a través del ukiyo-e y su eco en artistas orientales y occidentales próximos al superflat, el anime o la cultura del videojuego, pasando por la cultura pop, el llamado lowbrow o la nueva escuela de Leipzig, hasta llegar al fértil y acelerado territorio de la creación artística new media que incorpora la Inteligencia Artificial o el crypto art. En definitiva, las creaciones digitales más experimentales, incluyendo sus derivas virtuales en cualquiera de las variantes que nos ofrecen hoy las nuevas tecnologías y sus singulares categorías.

Por su parte, Pablo Caldera, Manuel Padín, Margot Rot y Claudio Hontana han tenido el difícil encargo de ayudarnos a desentrañar los aspectos ocultos de la selección de obras. Sus textos —que pueden leerse en el libro editado con motivo de la exposición— han sido escritos con toda la libertad que su juventud les dicta. Gracias a su desprejuiciada «insolencia y su severidad»  cuyo objeto es echarnos «jarros de agua fría», que, como decía Jean Cocteau, «es nuestra higiene»— y cada uno desde su ámbito investigador nos ofrecen su propia visión del intrincado mundo de referencias estéticas y trasuntos conceptuales que los artistas seleccionados muestran en sus obras. Como colofón, la Doctora Yvette Sánchez nos ofrece un breve estudio sobre «artistas coleccionistas» y las derivas del coleccionismo en la actualidad.

Las cuarenta y nueve obras que pueden contemplar en la Sala Amós Salvador de Logroño están bajo el paraguas del título generado por la obra Appropriate Response, del artista Mario Klingemann. Nos pareció adecuado que dicha obra fuese quien, usando de su capacidad generativa de frases con aspiraciones trascendentales, «creara» y diera título a nuestra exposición. He aprendido que tienes que rezar por lo que no conoces, en su caprichosa aleatoriedad lingüística, expresa con inquietante ambigüedad algo tan certero como enigmático. La Colección SOLO es una joven colección de arte contemporáneo en construcción cuyo embrión tenemos la oportunidad de mostrarles en esta exposición. Son testigos —créanlo— del nacimiento de una colección de arte irrepetible.

Comisario:
Julio Hontana

Artistas:
Miriam Cahn
Mario Klingemann
Neo Rauch
Ryan Mosley
Danny Fox
Keiichi Tanaami
Mu Pan
Utagawa Kuniyoshi
Peter Saul
Mary Iverson
Raymond Lemstra
Daewon Yang
Egor Kraft
Paul Noble
Willehad Eilers / Wayne Horse
Mercedes Helnwein
Aaron Johnson
Todd James
Cassie McQuater
Faig Ahmed
Ryan Travis Christian
Johan Deckmann
Vanessa Barragão
Ahn Doo-Jin
Luiz Philippe Carneiro
Eric Nado
Filip Custic
Tony Matelli
Emilio Villalba
Nik Ramage
Ryan Heshka
Nina Saunders
Tilo Baumgärtel
Motohiro Hayakawa
Yoshitaka Amano
Jon Fox
Willie Cole

He aprendido que tienes que rezar por lo que no conoces— Colección SOLO

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