La obra artística de Prego plantea una nueva forma de entender la escultura. Trabaja con volúmenes geométricos básicos e investiga formalmente sobre los límites de esta disciplina clásica, a partir de construcciones realizadas con materiales no convencionales. Como resultado de este método obtiene grandes piezas, generalmente efímeras o cuando menos desmontables. La investigación, el trabajo y las obras de Prego durante los últimos años exploran de una manera íntima la naturaleza de la escultura ligada a la arquitectura, el arte conceptual, el diseño y el minimalismo. Su obra pone en entredicho la materialidad de la escultura por su elaboración en materiales flexibles y ligeros que hacen que la forma sólo exista en un determinado estado o a consecuencia de una acción continuada sobre el material que las compone.

Sergio Prego (San Sebastián, 1969) vive y trabaja en Nueva York. A lo largo de su trayectoria artística se ha preocupado en cuestionar y transgredir la tradición de la forma y la fórmula institucional del arte a través del vídeo, la intervención espacial, la escultura y la arquitectura neumática y de membranas. No cabe duda de que Prego es un artista diferente, un defensor del arte libre y un investigador que trasciende las disciplinas artísticas condicionantes y los estilos plásticos preconcebidos. Cursó sus estudios en la facultad de Bellas Artes de Leioa (Universidad de País Vasco) y cultivó la experimentación artística durante los años dorados de Arteleku (San Sebastián) el que fuera centro de cultura y arte contemporáneo de referencia regional y nacional. Durante más de una década, ya instalado en Nueva York, fue el único artista dentro del grupo de ingenieros y arquitectos que componían el estudio de Vito Acconci.

Sergio Prego ha realizado significativas exposiciones a nivel internacional y tiene obra en algunas de las más importantes colecciones de arte de todo el mundo.

Paralorelei es una instalación monumental realizada ex profeso para la sala Amós Salvador, que crea un ambiente próximo a la ciencia ficción rompiendo nuestros esquemas de espacio y tiempo. La pieza llena el gran espacio central a través de módulos que se superponen sobre sí mismos y que se mantienen gracias a la continua aportación de aire que circula por toda su estructura. Este aire se convierte en una herramienta más, que modela la pieza, y la arquitectura del espacio expositivo también juega un papel fundamental en ella y su significado. La singularidad de esta obra convierte esta exposición en un acontecimiento único para la ciudad y la propia sala, que nos hará sentir algo a lo que no estamos acostumbrados.

SOBRE LA EXPOSICIÓN: 
Esta exposición es una ocasión perfecta para poder disfrutar de los dibujos originales que este genial artista publica a diario, y desde los años 90, en el periódico El País y de poder descubrir una de sus facetas menos conocidas, la pintura. Comisariada por Julio Hontana, la muestra que se presenta en la Sala Amós Salvador, permite recorrer De Lado a Lado y El Lado Alado del trabajo de uno de los más importantes artistas españoles, Premio Nacional de Ilustración entre otros muchos reconocimientos.

CARTOGRAFIANDO LA INFAMIA / ARMONIZANDO EL ESPÍRITU
Andrés Rábago nace en Madrid en 1947. Su obra gráfica ha ocupado las portadas y páginas interiores de algunas de las publicaciones más importantes desde los años setenta en España. Primero firmando con el dadaísta nombre de OPS, en una impagable tarea visual, tan deudora de la pintura surrealista y metafísica como de los orígenes del cinematógrafo, y admirable ejemplo de resistencia social contra la dictadura en revistas tardofranquistas como La Codorniz, Hermano Lobo, Triunfo y Cuadernos para el diálogo. Más tarde, OPS se fue diluyendo en el que acabaría siendo su heterónimo definitivo: El Roto. Desde entonces hemos podido disfrutarlo en publicaciones como Ajoblanco, Totem, Madriz, El independiente, el Periódico de Cataluña, Cambio16, Diario16 y desde la década de los 90, diariamente, en el periódico El País.
El Roto es un heterónimo nacido con intención de sumergirse en el espurio simulacro que llamamos realidad, con el fin de identificar y desenmascarar las artimañas que usa el poder para perpetuarse, señalando de paso sus refinadas estrategias para mantener la mansedumbre que nos esclaviza: sin sermón, ni prédica profética. El Roto cartografía, de lado a lado, el territorio de la infamia que nos asola y, para no desfallecer en su empeño, afina esa herramienta tan efectiva: la sátira. Rastrear palmo a palmo este mundo rebosante de vilezas como consecuencias de los actos que hombres y mujeres producen en él, solo puede tener un objetivo siempre inconcluso: recuperar la dignidad y librar de la podredumbre al espíritu humano.
A tenor de las magníficas incoherencias que atenazan nuestras vidas de las que da cuenta en sus viñetas, Andrés Rábago propone otro camino paralelamente a él que aporta el equilibrio necesario para soportar la zozobra de la existencia. A este camino de elevación, de auténtica comunión, solo es posible acceder atravesando el velo de lo cotidiano, dejando tras de sí la caducidad de lo real, para adentrarse en la contemplación de la belleza “no práctica”. A esta segunda vía de exploración pictórica, ascética e intuitiva -la más trascendente sin duda- Andrés Rábago le ha donado su propio apellido. Ese lado alado al que desde hace años Rábago acude también a diario, no con la esperanza de encontrarse al numen que lo custodia, sino porque ese es el lugar natural que atesora la potencia transformadora de la pintura y desde ella podemos armonizar las múltiples dimensiones del Ser.
La exposición que presentamos en la sala Amós Salvador cumple la intención de confrontar su trabajo de dibujante frente al del pintor en un mismo espacio, juntos, para que ustedes compongan su particular naturaleza de las cosas y, como Argullol apuntaba de Lucrecio -y nosotros de Andrés Rábago-, sean cómplices y espectadores de una misma e íntima “voluntad de liberación humana”.

Julio Hontana, comisario de la exposición

Al traspasar la puerta de la sala de exposiciones, como ocurre al sentarnos en el patio de butacas de un teatro o al abrir la portada de un libro, abandonamos nuestro espacio cotidiano para entrar en la habitación propia del artista. En esa metafórica – y a la vez tan real – habitación del artista descubrimos otras narrativas a través de la singularidad de las obras de arte que atesora, permitiéndonos experimentar en nosotros mismos nuevas relaciones y significados. En este encuentro, al que no debemos oponer resistencia alguna si no queremos desaprovechar una oportunidad única, el artista nos abre la puerta de un lugar que nunca podríamos haber conocido de otra manera. La obra de arte es un mundo en sí mismo y solo se representa a sí misma. Es una “cosa agregada al mundo y no un reflejo de él”, tal y como Jorge Luis Borges nos cuenta que se le reveló en su lecho de muerte al poeta Giambattista Marino al ver cómo una mujer ponía en una copa “una rosa amarilla”. El título de nuestra exposición ha sido extraído de uno de los cuentos incluido en el libro “El hacedor”: “Una mujer ha puesto en una copa una rosa amarilla; el hombre murmura los versos inevitables que a él mismo, para hablar con sinceridad, ya lo hastían un poco: Púrpura del jardín, pompa del prado, gema de primavera, ojo de abril… Entonces ocurrió la revelación. Marino vio la rosa, como Adán pudo verla en el Paraíso, y sintió que ella estaba en su eternidad y no en sus palabras y que podemos mencionar o aludir pero no expresar y que los altos y soberbios volúmenes que formaban en el ángulo de la sala una penumbra de oro no eran (como su vanidad soñó) un espejo del mundo, sino una cosa más agregada al mundo. Esta iluminación alcanzó Marino en la víspera de su muerte, y Homero y Dante acaso la alcanzaron también”.
Este es el contexto idóneo para que las mujeres y los hombres puedan componer nuevos relatos sobre los que reescribir su propia realidad y en él se mueven las seis artistas (Rosa Castellot, Natividad Bermejo, Teresa Rodríguez, Antonia Santolaya, Blanca Navas y Marta Beceiro) que presentamos en esta exposición. Sus trabajos no son una descripción de lo real, a pesar de su formal realismo, sino un mundo en sí mismos y el propio de cada una de ellas.

Fragmento del texto de Susana Baldor, comisaria de la exposición, para el catálogo.