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SUM

Conflictos de la identidad desde los aledaños de la fotografía

 

25/10/2012     09/12/2012

Ego SUM, “yo soy”, la afirmación más básica de la propia realidad existencial consciente, resume el substrato conceptual de esta exposición que como revela su subtítulo Conflictos de identidad desde los aledaños de la fotografía responde a dos premisas esenciales, la primera, de carácter temático, alude en efecto a los interrogantes en torno a la identidad, sus lindes y sus entresijos, que se reflejan con significativa frecuencia en el arte y el pensamiento contemporáneo. La segunda premisa que condiciona el proyecto es la utilización de la fotografía (probablemente la disciplina artística más idónea para referirse a la identidad) desde una actitud libre respecto a criterios de especificidad o pureza, es decir desde la la heterodoxia y el mestizaje. Los seis artistas seleccionados llevan un tiempo significativo en su trayectoria trabajando con diversas hibridaciones técnicas sobre soportes no tradicionales que incluyen o que parten de la fotografía, en algún caso incluso se excluye del resultado final después de usarla en el proceso, de manera que no se detecta su presencia y sin embargo no deja de ser determinante en su propia ausencia.

Pese a sus tan diversas circunstancias vitales, los autores implicados, mujeres y hombres de distintas edades, procedencias y entornos, han coincidido en desarrollar una obra ligada a la problemática de la identidad que incide decisivamente en la formulación de su discurso. Obviamente el riguroso análisis auto-reflexivo que ellos acometen trasciende la contingencia temporal del aquí y ahora, por esa razón se han elegido para la muestra trabajos correspondientes a momentos álgidos de su evolución en los que el paradigma de lo identitario queda trazado con mayor definición e intensidad. Es por esa razón que mientras algunas obras han sido realizadas expresamente para esta muestra en los últimos meses, otras datan de años atrás, de lo cual resulta un conjunto diacrónico que nos permite abarcar un ámbito cronológico y vital de mayor interés y alcance. 

La óptica fenomenológica individual es determinante a la hora de abordar esta cuestión. La propia identidad es el referente esencial en el caso de Carmen, Nerea, Yotta, y también de Balanza, reflejada directamente en la representación del propio rostro o del propio cuerpo con sustanciales derivaciones autobiográficas que sin embargo no deben considerarse autorretratos sino más bien “auto-representaciones” ya que en las fórmulas planteadas no se busca la banalidad del parecido físico sino la propia huella individual i/o el entorno vivencial al cual se encuentra intrínsecamente ligado, a la vez que se introducen aspectos simbólicos o metafóricos, referenciales o interpretativos en torno a la propia realidad existencial y su narrativa. Distinto es el caso de Antonio y de Rómulo cuyos discursos eluden la auto-representación para manifestarse a través de otras prácticas de subjetivación basadas en la proyección i/o la vinculación icónica o afectiva del yo con otros personajes, implicando reflejos y duplicidades.

Las imágenes que podemos ver poseen una contundencia intrínseca, una rotunda iconicidad que se impone categóricamente al espectador. Y ello no es trivial, porque en definitiva, la identidad únicamente cobra sentido en la alteridad, por tanto el “yo” íntimo e introspectivo de estos artistas sólo puede revelarse con respecto al “otro”, en este caso, el espectador, a cuyo encuentro salen estas obras, capaces de generar un juego inesperado de identificaciones y complicidades.

Artista: Antonio Alcasser Nerea de Diego Rómulo Royo José Carlos Balanza Yotta Kippe Colaboradores: Cultural Rioja Fotografía: Rafael Lafuente
Carlos Rosales. Agorafobia

Carlos Rosales. Agorafobia

Agorafobia

Carlos Rosales

 

07/09/2012     14/10/2012

A modo de hombre del Renacimiento, Carlos Saura ha practicado toda su actividad artística en un mismo plano, sin separar nunca unas facetas de otras. Su mundo creativo comprende diversas disciplinas que, si bien se concentran en el cine como aglutinador de relatos construidos por imágenes y sonido, nunca ha dejado de ejercer con total fruición y dedicación.

A la imagen en movimiento accedió desde la fotografía, desde el análisis de formas con que esta disciplina se enfrentó a la modernidad gráfica en busca de estilo y sintaxis propios, y ya en sus comienzos destacó junto a los mejores. Fue en los años cuarenta del pasado siglo cuando una cámara fotográfica le permitió explorar su mundo, el familiar y el paisaje mesetario de su Cuenca de referencia. Desde entonces, no se ha separado de un artilugio que le permite construir imágenes en forma de diario íntimo de toda su actividad afectiva y creadora. Nacido en una familia de múltiples lazos con la pintura y la música, Carlos se asemeja en su quehacer cotidiano a una esponja incansable y feliz, aglutinadora de técnicas diversas.

En torno a su primera pasión, la fotografía, Carlos Saura ha construido un universo ecléctico en el que caben todas sus vivencias, desde el relato de pobreza y frío de la España autárquica hasta su pasión final por las fotografías coloreadas e intervenidas por su mano; desde las imágenes constructoras de escenografías, ensayos y análisis estéticos de su filmografía hasta todo lo que ha poblado sus afectos, su vida más íntima, su familia. Es tal la variedad de caminos explorados que debemos rendirnos ante lo inclasificable de su obra fotográfica y, al mismo tiempo, reconocer que cualquier cliché le haría un traje demasiado estrecho a este creador. Su producción funciona más bien como un diario personal que jalona los acontecimientos de su vida sin distinción, ya sean afectivos o profesionales. Es como si este artista confiara a la imagen toda su capacidad expresiva para cualquier uso, para cualquier técnica o formato, para cualquier forma de comunicación humana.

Para desarrollar un discurso gráficamente coherente con la variedad de su producción, esta exposición traza un recorrido paralelo a su vida, que pretende simultanear pasiones y realidades bajo la guía de su propia mirada.

Chema Conesa

Artista:
Carlos Rosales

Colaboradores:
Cultural Rioja

Fotografía:
JPEG Studio

La mirada en el otro

La mirada en el otro

La mirada en el otro

 

31/05/2012     28/07/2012

«La Mirada en el Otro» es una muestra colectiva en la que se reúne gran parte del amplio elenco de artistas galardonados con el Premio Nacional de Fotografía, creado por el Ministerio de Cultura de España en 1994. La exposición es un abanico multiforme que se aventura por series que encuentran sorprendentes vínculos entre creadores tan diversos, confrontando y conectando sus obras. El objetivo es mostrar la riqueza, la expresividad, la imaginación y la calidad indiscutible de los fotógrafos que trabajan en España, al tiempo que se pueda contemplar en conjunto y a través de ocurrentes nexos un repaso a una parte importante y significativa de la historia de la fotografía española de los últimos sesenta años. Una visión de conjunto que permite apreciar la propia evolución de estos creadores acompasada con la de un pueblo que desde los años cincuenta a nuestros días ha sufrido una notable transformación reflejada en el aspecto documental que tiene siempre cualquier muestra fotográfica.

En ese tiempo, varias generaciones de fotógrafos han marcado el paso del camino recorrido. Tras la guerra civil, pioneros como Cualladó, Masats, Pérez Siquier o Joan Colom retrataron una España humilde, sumida en el atraso, carente de medios y con cierta negrura plasmada en sus instantáneas familiares o en reportajes sobre los barrios degradados de Barcelona o Almería, de un país en contraste entre la pobreza y el incipiente desarrollo.Creadores en blanco y negro, que se adaptaron con facilidad y éxito al color más vivo e intenso que requería la «España diferente» y soleada de la promoción turística. Le sigue otra oleada con artistas tan diversos como Cristina García Rodero, Toni Catany, Humberto Rivas o Pablo Pérez-Mínguez. La «España Oculta» de la artista manchega Cristina García Rodero, una serie elaborada durante quince años, acaparó la atención internacional en su momento y parte de sus archivos fueron adquiridos por el Centro Paul Getty para el estudio etnográfico. En ésta exposición se recogen sus trabajos en países lejanos como Haití y Etiopía. Toni Catany, artista refinado y apasionado por el mundo antiguo y las técnicas fotográficas del pasado, nos acerca al mediterráneo destacando por sus naturalezas muertas y los desnudos basados en la estatuaria clásica.

Clasicismo y serenidad que muestra también con maestría el fotógrafo de origen argentino afincado en España desde los setenta, Humberto Rivas, mago de los retratos y las soledades, donde el paso del tiempo queda marcado como una seña clara de identidad. Pablo Pérez-Mínguez, gran agitador cultural desde la revista «Nueva Lente», es la conexión con creadores más pop pertenecientes a la «movida madrileña», como Alberto García-Alix y Ouka Leele, imbuidos en sus singulares poéticas.

En este gran fresco de la fotografía española no faltan los artistas conceptuales, como Joan Fontcuberta, Chema Madoz, Manuel Vilariño o Bleda y Rosa. El primero, destacado teórico, estaría instalado en la «metafotografía» donde el juego de engaños de la imagen y la comunicación queda en evidencia con el apoyo de lo digital. Chema Madoz es un narrador visual a través de metáforas compuestas por objetos imposibles, con una fuerza y una reflexión características, que comparte -en cierta forma- con el gallego Manuel Vilariño, creador poético, espiritual, telúrico y simbólico cercano a la naturaleza y el arte clásico donde el color y las texturas son nota dominante. Finalmente, Bleda y Rosa, pareja de jóvenes fotógrafos residentes en Londres, articulan unas series en las que el paso del tiempo, la historia, el espacio y la huella del hombre tienen gran importancia.

Artista: Alberto García Alix Chema Madoz Toni Catany Joan Colo Carlos Pérez Siquier Ramon Masats Ouka Leele Pablo Pérez Mínguez Manuel Vilariño Bleda y Rosa Gabriel Cualladó Cristina García Rodero Humberto Rivas Joan Fontcuberta Comisario: Chema Conesa Colaboradores: Cultural Rioja Fotografía: Rafael Lafuente
J. Marino Pascual. Galardón a las Artes Riojanas en 2011

J. Marino Pascual. Galardón a las Artes Riojanas en 2011

J. Marina Pascual

Galardón a las Artes Riojanas 2011

 

22/03/2012     12/05/2012

El Gobierno de La Rioja concedió en 2011 el Galardón a las Artes Riojanas al arquitecto Jesús Marino Pascual

La exposición recoge parte de su obra, pretendiendo facilitar la interpretación al espectador del proceso de la creación arquitectónica sobre estas realizaciones, que han generado el interés internacional a través de publicaciones, conferencias, etc

Cada obra se describe desde los bocetos, croquis y maquetas de la fase más incipiente de la concepción, hasta las imágenes finales de la realidad contruida. Planos y fotografías en fase de construcción, premiten la interpretación del gran desarrollo técnico que la materialización de la obtra requiere, y nos ofrece el largo recorrido y el enorme salto desde la concepción hasta su culminación.

La muestra nos ofrece la gran dimensión de la creación arquitectónica de manera didáctica. Los videos de algunas de estas obras, acompañan el dinamismo de la visita.

En ese tiempo, varias generaciones de fotógrafos han marcado el paso del camino recorrido. Tras la guerra civil, pioneros como Cualladó, Masats, Pérez Siquier o Joan Colom retrataron una España humilde, sumida en el atraso, carente de medios y con cierta negrura plasmada en sus instantáneas familiares o en reportajes sobre los barrios degradados de Barcelona o Almería, de un país en contraste entre la pobreza y el incipiente desarrollo.Creadores en blanco y negro, que se adaptaron con facilidad y éxito al color más vivo e intenso que requería la «España diferente» y soleada de la promoción turística. Le sigue otra oleada con artistas tan diversos como Cristina García Rodero, Toni Catany, Humberto Rivas o Pablo Pérez-Mínguez. La «España Oculta» de la artista manchega Cristina García Rodero, una serie elaborada durante quince años, acaparó la atención internacional en su momento y parte de sus archivos fueron adquiridos por el Centro Paul Getty para el estudio etnográfico. En ésta exposición se recogen sus trabajos en países lejanos como Haití y Etiopía. Toni Catany, artista refinado y apasionado por el mundo antiguo y las técnicas fotográficas del pasado, nos acerca al mediterráneo destacando por sus naturalezas muertas y los desnudos basados en la estatuaria clásica.

Jesús Marino Pascual (Liédena, Navarra 1950). Arquitecto por la Universidad de Navarra, ha desarrollado toda su trayectoria profesional en La Rioja.

Convencido del compromiso del arquitecto con su profesión y la sociedad en la que se desarrolla, ha difundido el quehacer del arquitecto en todas sus vertientes, desde la más técnica a la más humanista, siempre entendido como un complejo compendio de conocimientos.

Son muy reconocidos sus conjuntos residenciales y su vínculo con el patrimonio artístico, así como la arquitectura relacionada con el mundo del vino. Es precisamente en éste área donde ha contribuido a la nueva visión de la arquitectura del vino y su museología.

Su obra ha sido expuesta repetidamente en el Colegio de Arquitectos de La Rioja, en el Museo Vasco de Arte Contemporáneo de Vitoria (ARTIUM), en 2008, en el Salón Internacional del Diseño de Colonia, Alemania, en 2009 y Barcelona, en 2009 y en el MOMA de San Francisco, E.E.U.U., en 2011. Igualmente su trabajo se ha publicado en numerosos medios especializados de España y de otros países como Reino Unido, Alemania, Polonia, Italia, Holanda, Corea, Singapur, Chile, Estados Unidos, Canadá y China.

El galardón de las Artes que el Gobierno de La Rioja le otorgó en 2011, ha sido el último y más apreciado de los numerosos reconocimientos y premios recibidos en su dilatada vida profesional.

« Motivaciones, inversiones, medios, técnicas, materiales, leyes, normas edificatorias, y el conocimiento acumulado en cada época quedan imprsos en la obra arquitectónica «

« La singularidad es consustancial con el territorio, no hay otra igual. La huella que dejemos en él ha de ser para potenciarlo. «

« Hoy hemos convertido la bodega en un hecho cultural de primer orden. En ella se sintetiza y se describe la vasta cultura vinícola. La bodega como hecho arquitectónico se ha enriquecido al ir más allá de la elaboración de vinos, para describir como son y porqué. Es en ese contar el «porqué», lo que hoy está reportando beneficios añadidos y directos, y no sólo para los bodegueros «

J. Marino Pascual

 

Artista:
J. Marino Pascual

Colaboradores:
Cultural Rioja

Fotografía:
JPEG Studio

Brangulí

Brangulí

Brangulí

 

23/11/2011     29/01/2012

Josep Brangulí i Soler, nacido en L’Hospitalet de LLobregat el 14 de septiembre de 1879, es el iniciador de una saga de fotógrafos que presentaron sus trabajos bajo la firma Brangulí.

Esta exposición revisa la obra de Josep, titular del nombre Brangulí hasta su muerte en 1945. Sus hijos, Joaquim Brangulí Claramunt (1913-1991) y Xavier Brangulí i Claramunt (1918-1986), continuaron la labor tras el fallecimiento del padre.

Pese a su intensa actividad como fotorreportero, Josep Brangulí desarrolló a lo largo de su vida su faceta como documentalista, habida cuenta de su extensa labor como fotógrafo industrial, del comercio y la arquitectura, ámbitos en los que sus imágenes aparecen como prácticamente únicas en el panorama iconográfico de la primera mitad del siglo XX. Sus imágenes componen series y reportajes no siempre publicados ni en todos los casos destinados a la prensa gráfica. A través de sus capturas conocemos el paisaje social y urbano generado por las transformaciones de Barcelona en el largo periodo, lleno de novedades y conflictos, que transcurre entre los años 1900-1945.

Brangulí desarrolló un amplísimo y singular trabajo de fotografía industrial y documental para empresas como Construcciones y Pavimentos, pionera en el encofrado de hormigón, y para entidades corporativas a cuyo cargo estaban las obras públicas de la red de Metro o la instalación del alumbrado público en Barcelona. Fotografió, desde su nacimiento la Fira de Barcelona y realizó multitud de trabajos documentales para la Caixa de Pensions.

Durante décadas retrató la sociedad barcelonesa en todos sus escenarios posibles: los oficios y los talleres, la industria y la arquitectura, la vida en las calles, acontecimientos y conflictos y, también, los personajes públicos y privados.

Brangulí documentó las principales transformaciones de Barcelona en la primera mitad del siglo XX, lo que hace de él una fuente obligatoria para conocer una época fundamental en Cataluña.

Las series ordenadas son su manera de plasmar el desarrollo fotográfico de un tema. Estas colecciones de imágenes interrelacionadas entre sí, formal y temáticamente, adquieren su sentido y significado completo unas al lado de las otras, tal y como él las agrupó, ordenó y guardó.

En este proyecto se unen los esfuerzos y dedicación de Fundación Telefónica y del Arxiu Nacional de Catalunya. Fundación Telefónica, tras la restauración de su archivo histórico-fotográfico, y en una actuación verdaderamente única en el escenario español, ha continuado desarrollando su compromiso con la necesidad de recuperar el periodo que nos ocupa, en el convencimiento de estar ante una realidad fotográfica que debe ser devuelta al espectador contemporáneo; y el Arxiu Nacional de Catalunya como garante de nuestra historia y patrimonio.

Artista:
Josep Brangulí i Soler

Colaboradores:
Cultural Rioja
Fundación Telefónica
Generalitat de Catalunya
Arxiu Nacional de Catalunya

Fotografía:
Roberto Jiménez