Ego SUM, “yo soy”, la afirmación más básica de la propia realidad existencial consciente, resume el substrato conceptual de esta exposición que como revela su subtítulo Conflictos de identidad desde los aledaños de la fotografía responde a dos premisas esenciales, la primera, de carácter temático, alude en efecto a los interrogantes en torno a la identidad, sus lindes y sus entresijos, que se reflejan con significativa frecuencia en el arte y el pensamiento contemporáneo. La segunda premisa que condiciona el proyecto es la utilización de la fotografía (probablemente la disciplina artística más idónea para referirse a la identidad) desde una actitud libre respecto a criterios de especificidad o pureza, es decir desde la la heterodoxia y el mestizaje. Los seis artistas seleccionados llevan un tiempo significativo en su trayectoria trabajando con diversas hibridaciones técnicas sobre soportes no tradicionales que incluyen o que parten de la fotografía, en algún caso incluso se excluye del resultado final después de usarla en el proceso, de manera que no se detecta su presencia y sin embargo no deja de ser determinante en su propia ausencia.

Pese a sus tan diversas circunstancias vitales, los autores implicados, mujeres y hombres de distintas edades, procedencias y entornos, han coincidido en desarrollar una obra ligada a la problemática de la identidad que incide decisivamente en la formulación de su discurso. Obviamente el riguroso análisis auto-reflexivo que ellos acometen trasciende la contingencia temporal del aquí y ahora, por esa razón se han elegido para la muestra trabajos correspondientes a momentos álgidos de su evolución en los que el paradigma de lo identitario queda trazado con mayor definición e intensidad. Es por esa razón que mientras algunas obras han sido realizadas expresamente para esta muestra en los últimos meses, otras datan de años atrás, de lo cual resulta un conjunto diacrónico que nos permite abarcar un ámbito cronológico y vital de mayor interés y alcance. 

La óptica fenomenológica individual es determinante a la hora de abordar esta cuestión. La propia identidad es el referente esencial en el caso de Carmen, Nerea, Yotta, y también de Balanza, reflejada directamente en la representación del propio rostro o del propio cuerpo con sustanciales derivaciones autobiográficas que sin embargo no deben considerarse autorretratos sino más bien “auto-representaciones” ya que en las fórmulas planteadas no se busca la banalidad del parecido físico sino la propia huella individual i/o el entorno vivencial al cual se encuentra intrínsecamente ligado, a la vez que se introducen aspectos simbólicos o metafóricos, referenciales o interpretativos en torno a la propia realidad existencial y su narrativa. Distinto es el caso de Antonio y de Rómulo cuyos discursos eluden la auto-representación para manifestarse a través de otras prácticas de subjetivación basadas en la proyección i/o la vinculación icónica o afectiva del yo con otros personajes, implicando reflejos y duplicidades.

Las imágenes que podemos ver poseen una contundencia intrínseca, una rotunda iconicidad que se impone categóricamente al espectador. Y ello no es trivial, porque en definitiva, la identidad únicamente cobra sentido en la alteridad, por tanto el “yo” íntimo e introspectivo de estos artistas sólo puede revelarse con respecto al “otro”, en este caso, el espectador, a cuyo encuentro salen estas obras, capaces de generar un juego inesperado de identificaciones y complicidades.

«La Mirada en el Otro» es una muestra colectiva en la que se reúne gran parte del amplio elenco de artistas galardonados con el Premio Nacional de Fotografía, creado por el Ministerio de Cultura de España en 1994. La exposición es un abanico multiforme que se aventura por series que encuentran sorprendentes vínculos entre creadores tan diversos, confrontando y conectando sus obras. El objetivo es mostrar la riqueza, la expresividad, la imaginación y la calidad indiscutible de los fotógrafos que trabajan en España, al tiempo que se pueda contemplar en conjunto y a través de ocurrentes nexos un repaso a una parte importante y significativa de la historia de la fotografía española de los últimos sesenta años. Una visión de conjunto que permite apreciar la propia evolución de estos creadores acompasada con la de un pueblo que desde los años cincuenta a nuestros días ha sufrido una notable transformación reflejada en el aspecto documental que tiene siempre cualquier muestra fotográfica.

En ese tiempo, varias generaciones de fotógrafos han marcado el paso del camino recorrido. Tras la guerra civil, pioneros como Cualladó, Masats, Pérez Siquier o Joan Colom retrataron una España humilde, sumida en el atraso, carente de medios y con cierta negrura plasmada en sus instantáneas familiares o en reportajes sobre los barrios degradados de Barcelona o Almería, de un país en contraste entre la pobreza y el incipiente desarrollo.Creadores en blanco y negro, que se adaptaron con facilidad y éxito al color más vivo e intenso que requería la «España diferente» y soleada de la promoción turística. Le sigue otra oleada con artistas tan diversos como Cristina García Rodero, Toni Catany, Humberto Rivas o Pablo Pérez-Mínguez. La «España Oculta» de la artista manchega Cristina García Rodero, una serie elaborada durante quince años, acaparó la atención internacional en su momento y parte de sus archivos fueron adquiridos por el Centro Paul Getty para el estudio etnográfico. En ésta exposición se recogen sus trabajos en países lejanos como Haití y Etiopía. Toni Catany, artista refinado y apasionado por el mundo antiguo y las técnicas fotográficas del pasado, nos acerca al mediterráneo destacando por sus naturalezas muertas y los desnudos basados en la estatuaria clásica.

Clasicismo y serenidad que muestra también con maestría el fotógrafo de origen argentino afincado en España desde los setenta, Humberto Rivas, mago de los retratos y las soledades, donde el paso del tiempo queda marcado como una seña clara de identidad. Pablo Pérez-Mínguez, gran agitador cultural desde la revista «Nueva Lente», es la conexión con creadores más pop pertenecientes a la «movida madrileña», como Alberto García-Alix y Ouka Leele, imbuidos en sus singulares poéticas.

En este gran fresco de la fotografía española no faltan los artistas conceptuales, como Joan Fontcuberta, Chema Madoz, Manuel Vilariño o Bleda y Rosa. El primero, destacado teórico, estaría instalado en la «metafotografía» donde el juego de engaños de la imagen y la comunicación queda en evidencia con el apoyo de lo digital. Chema Madoz es un narrador visual a través de metáforas compuestas por objetos imposibles, con una fuerza y una reflexión características, que comparte -en cierta forma- con el gallego Manuel Vilariño, creador poético, espiritual, telúrico y simbólico cercano a la naturaleza y el arte clásico donde el color y las texturas son nota dominante. Finalmente, Bleda y Rosa, pareja de jóvenes fotógrafos residentes en Londres, articulan unas series en las que el paso del tiempo, la historia, el espacio y la huella del hombre tienen gran importancia.

El Gobierno de La Rioja concedió en 2011 el Galardón a las Artes Riojanas al arquitecto Jesús Marino Pascual

La exposición recoge parte de su obra, pretendiendo facilitar la interpretación al espectador del proceso de la creación arquitectónica sobre estas realizaciones, que han generado el interés internacional a través de publicaciones, conferencias, etc

Cada obra se describe desde los bocetos, croquis y maquetas de la fase más incipiente de la concepción, hasta las imágenes finales de la realidad contruida. Planos y fotografías en fase de construcción, premiten la interpretación del gran desarrollo técnico que la materialización de la obtra requiere, y nos ofrece el largo recorrido y el enorme salto desde la concepción hasta su culminación.

La muestra nos ofrece la gran dimensión de la creación arquitectónica de manera didáctica. Los videos de algunas de estas obras, acompañan el dinamismo de la visita.

En ese tiempo, varias generaciones de fotógrafos han marcado el paso del camino recorrido. Tras la guerra civil, pioneros como Cualladó, Masats, Pérez Siquier o Joan Colom retrataron una España humilde, sumida en el atraso, carente de medios y con cierta negrura plasmada en sus instantáneas familiares o en reportajes sobre los barrios degradados de Barcelona o Almería, de un país en contraste entre la pobreza y el incipiente desarrollo.Creadores en blanco y negro, que se adaptaron con facilidad y éxito al color más vivo e intenso que requería la «España diferente» y soleada de la promoción turística. Le sigue otra oleada con artistas tan diversos como Cristina García Rodero, Toni Catany, Humberto Rivas o Pablo Pérez-Mínguez. La «España Oculta» de la artista manchega Cristina García Rodero, una serie elaborada durante quince años, acaparó la atención internacional en su momento y parte de sus archivos fueron adquiridos por el Centro Paul Getty para el estudio etnográfico. En ésta exposición se recogen sus trabajos en países lejanos como Haití y Etiopía. Toni Catany, artista refinado y apasionado por el mundo antiguo y las técnicas fotográficas del pasado, nos acerca al mediterráneo destacando por sus naturalezas muertas y los desnudos basados en la estatuaria clásica.

Jesús Marino Pascual (Liédena, Navarra 1950). Arquitecto por la Universidad de Navarra, ha desarrollado toda su trayectoria profesional en La Rioja.

Convencido del compromiso del arquitecto con su profesión y la sociedad en la que se desarrolla, ha difundido el quehacer del arquitecto en todas sus vertientes, desde la más técnica a la más humanista, siempre entendido como un complejo compendio de conocimientos.

Son muy reconocidos sus conjuntos residenciales y su vínculo con el patrimonio artístico, así como la arquitectura relacionada con el mundo del vino. Es precisamente en éste área donde ha contribuido a la nueva visión de la arquitectura del vino y su museología.

Su obra ha sido expuesta repetidamente en el Colegio de Arquitectos de La Rioja, en el Museo Vasco de Arte Contemporáneo de Vitoria (ARTIUM), en 2008, en el Salón Internacional del Diseño de Colonia, Alemania, en 2009 y Barcelona, en 2009 y en el MOMA de San Francisco, E.E.U.U., en 2011. Igualmente su trabajo se ha publicado en numerosos medios especializados de España y de otros países como Reino Unido, Alemania, Polonia, Italia, Holanda, Corea, Singapur, Chile, Estados Unidos, Canadá y China.

El galardón de las Artes que el Gobierno de La Rioja le otorgó en 2011, ha sido el último y más apreciado de los numerosos reconocimientos y premios recibidos en su dilatada vida profesional.

« Motivaciones, inversiones, medios, técnicas, materiales, leyes, normas edificatorias, y el conocimiento acumulado en cada época quedan imprsos en la obra arquitectónica «

« La singularidad es consustancial con el territorio, no hay otra igual. La huella que dejemos en él ha de ser para potenciarlo. «

« Hoy hemos convertido la bodega en un hecho cultural de primer orden. En ella se sintetiza y se describe la vasta cultura vinícola. La bodega como hecho arquitectónico se ha enriquecido al ir más allá de la elaboración de vinos, para describir como son y porqué. Es en ese contar el «porqué», lo que hoy está reportando beneficios añadidos y directos, y no sólo para los bodegueros «

J. Marino Pascual