El Premio Cervezas Alhambra de Arte Emergente ha celebrado ya su novena edición y ha dejado patente la huella y la necesidad que había al respecto de la recuperación de técnicas tradicionales y de colocar la artesanía en el lugar que merece.

Los artistas se han servido de nuevas técnicas para crear nuevos lenguajes con los que comunicar sus anhelos, reivindicaciones y mensajes sobre nuestra sociedad y sobre nuestro planeta. La convivencia entre ambas técnicas ha generado este conjunto de obras que podemos contemplar donde el protagonista es la artesanía convertida en lenguaje contemporáneo dotando al arte de nuevos significados.

Desarrollando técnicas artesanales como el trabajo del vidrio, cerámica, hierro, madera etc. se ha generado un corpus de obra que ha servido a Cervezas Alhambra para formar una colección con la que comunicar la necesidad de tomar el tiempo como un elemento más valioso y poner el acento en los procesos.

Crear sin prisa en arte y artesanía hoy, no solo es una técnica o un estilo, es una ética del cuidado, de la escucha, de la conexión con el territorio y los otros. Supone dejar espacio para la imperfección, la pausa, la contemplación.

En un contexto donde la hiperproductividad amenaza los modos de vida tradicionales y los procesos profundos de creación, estos gestos lentos cobran una fuerza política y afectiva: nos invitan a imaginar otras formas de habitar el tiempo.

La artesanía exige tiempo: es una práctica donde cada puntada, cada golpe o trazo implican repetición, paciencia y atención. Frente a un mundo acelerado, muchos artistas contemporáneos adoptan esta lentitud como una forma de resistencia al ritmo de producción capitalista. Crear sin prisa se convierte en un acto político: dar tiempo a los procesos, a la materialidad, al cuidado.

El arte contemporáneo ha cuestionado los límites autorales. En muchos proyectos, el artista deja de ser una figura solitaria y se convierte en facilitador o mediador de procesos colectivos, trabajando codo a codo con artesanos. Esto pone en valor el conocimiento manual, colectivo e intergeneracional.

En sus nueve ediciones, el Premio Cervezas Alhambra de Arte Emergente ha tenido la ocasión de premiar a muchos artistas que hoy en día gozan de una carrera sólida y fructífera, dándoles la oportunidad de realizar proyectos que distaban de su producción habitual y gracias a los cuales se han abierto puertas a nuevos procesos, materiales y dinámicas de trabajo colaborativas. La presente exposición supone un recorrido por algunas de las obras de las distintas ediciones del premio, desde sus inicios hasta el momento actual. Sin duda, una invitación a repensar el tiempo, el valor y las relaciones en el acto de crear.

Alicia Ventura

Vidas Minadas es un proyecto inacabable igual que son infinitas las secuelas que provocan las minas anti persona. Llevo trabajando con víctimas de esta lacra desde septiembre de 1995. En 1997, 2002 y 2007 presenté diferentes versiones de este proyecto que recorre la mayor parte de mi vida profesional. Hoy regreso con Vidas Minadas. 25 años, un grito contra una terrible injusticia y un drama diario.

Las víctimas fueron elegidas al azar. Me crucé con ellas en hospitales a punto de ser amputados o malheridos con posibilidades de morir o en centros ortopédicos, donde intentaban volver a andar con piernas de plástico.
Las víctimas más jóvenes como el camboyano Sokheurm Man, el bosnio Adis Smajic o la mozambiqueña Sofía Elface Fumo tenían 13 años. Ya han cumplido los cuarenta, han formado familias y viven rodeadas de hijas e hijos. Unas víctimas han tenido más suerte que otras.

La angoleña Joaquina Natchilombo es una anciana de setenta años que tiene más de veinte nietos y es feliz porque ha regresado a las tierras familiares de sus padres, de las que huyó durante la guerra.

El salvadoreño Manuel Orellana ha formado una familia muy estable y es abuelo. El nicaragüense Justino Pérez ejerce de padre con una nieta de su actual pareja, después de perder la relación con sus dos hijos naturales, y es dueño de unos terrenos que ha pagado a plazos. El afgano Medy Ewaz Ali, al que conocí con ocho años, vive en Madrid junto a su hermana después de huir de su país tras la llegada de los talibanes al poder en el verano de 2021.

El kurdo Fanar Zekri, que perdió ambas piernas con seis años, ha cumplido los 34, se casó hace un año y sus princi pales objetivos son comprarse una casa y tener dos hijos. 

La colombiana Mónica Paola Ardila, ciega por la explosión con apenas siete años, batalla diariamente por superar el impacto emocional que le supuso el accidente con la mina y las múltiples violencias sexuales que ha sufrido desde la niñez ante el abandono total del estado colombiano.

Los responsables de tanto sufrimiento se esconden detrás de una nebulosa de intereses o siglas. La industria armamentística es cada día más poderosa e impenetrable a pesar de las leyes sobre control de armas que se aprueban en los parlamentos de los países democráticos y que casi siempre se convierten en papel mojado a la hora de realizar negocios de la muerte.

Nuestros gobernantes, empresarios y banqueros se presentan ante la sociedad como adalides del respeto a los valores universales y a la legalidad vigente mientras utilizan el secretismo y la impunidad para reescribir y violar las leyes y subordinarse al pragmatismo más obsceno. Los que más gritan en la oposición son los que más rápido se acaban plegando al guion oficial en cuanto alcanzan los salones del poder.

La generación surgida en las décadas del siglo XXI es la más madura y creativa de cuantas han existido en la historia de la fotografía española, también la mejor formada y la más numerosa. Pero hay una característica que la diferencia de las anteriores: la masiva presencia de las mujeres en un territorio que a lo largo de la historia había estado habitado mayoritariamente por hombres. Comparada con la que se hizo visible tras la dictadura, esta generación sí se ha nutrido de referentes nacionales e internacionales y se ha aventurado con naturalidad a experimentar con hibridaciones formales, que desbordan la bidimensionalidad de las fotografías, y conceptuales, asumiendo la naturaleza subjetiva y polisémica que deriva del uso y lectura de las imágenes.

La exposición Perpetuum mobile propone una estructura abierta, una suerte de jardín de especies, que ilustra el ensanchamiento de los límites de la creación fotográfica y las incesantes mutaciones que han ido transformando a lo largo de casi dos siglos el estatuto fundacional del medio:la mímesis de la realidad. La mayoría de quienes integran esta generación se desentienden de sancionar lo que es real o no. Conscientes de que ni la representación ni la percepción significan lo mismo en cada época, generan imágenes que se mueven en las fronteras de la ficción, utilizan procedimientos antiguos de la fotografía, que añaden tiempo y memoria a sus imágenes, o se sirven de las herramientas digitales para crear territorios simbólicos en los que la imaginación se expande como un rizoma. Construyen estructuras complejas de imágenes que apelan a la inestabilidad de las identidades, al carácter mutante de las certezas sobre el pasado y reflexionan críticamente sobre una sociedad que ha situado la impostura como un elemento protagónico en la representación del presente.

La histórica permeabilidad que ha ostentado la fotografía para incorporar al imaginario colectivo los cambios sociales y estéticos la convierte, hoy más que nunca, en una extraordinaria herramienta para articular lo particular y lo universal, la materia y el espíritu, desde parámetros visuales que ilustren el carácter fragmentario y subjetivo de nuestra percepción de la realidad.

Alejandro Castellote

 Carlos Baonza nació en Madrid en 1957 y es pintor, grabador y escultor. Cursó estudios de pedagogía y ha dedicado la mayor parte de su vida a la educación infantil.
Se inició en la actividad artística de forma autodidacta al tiempo que mantuvo relación con otros artistas ya consolidados. Baonza aprendió las técnicas de grabado y estampación en el taller del reconocido maestro griego Dimitri Papagueorguiu, con quien cultivó una estrecha amistad hasta su fallecimiento.
Formó parte de un grupo de artistas y poetas del entorno de José Hierro y expuso por primera vez en 1979 en la Universidad de Comillas (Madrid). Desde entonces ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas, performances e instalaciones en España, Austria (Tirol), Alemania e Italia. También ha publicado numerosos libros con su obra en editoriales como Pepitas o Siruela.

En el año 1960 el padre de Carlos Baonza, tomando como referencia la pedagogía de Friedrich Fröbel, fundó en Madrid un Kindergarten, del que Carlos terminó haciéndose cargo. Un espacio en el que, mediante lo lúdico, la sensibilidad, la observación, la imaginación y la fantasía se rompían los límites académicos establecidos.
Cuando en 2015, tras casi cuarenta años, la aventura del colegio acabó, a Carlos Baonza —él mismo lo dice— le costó mucho volver a entrar en el mundo de los adultos y aún hoy su incomprensión de ese mundo se hace manifiesta en muchas de sus obras.
Desde esa fecha tiene plena dedicación al arte plástico visual y trabaja preferentemente en su estudio de Bustarviejo (Madrid).

¿Por qué Qué con qué?
Una tarde estaba en el taller trabajando sobre unos autómatas y conmigo estaba Solete, entonces una niña de cuatro o cinco años, hoy una eminente oftalmóloga. Yo trataba de construir unas máquinas inútiles sobre unos cubos de metal: taladraba, atornillaba, soldaba con el soplete y encadenaba objetos con alambres y varillas aprovechando el movimiento que producía un pequeño motor eléctrico. Me movía buscando elementos y experimentaba incorporándolos a esa construcción cinética. La ponía a funcionar y me sentaba con Solete para observar el progreso. Así muchas veces y, en una ocasión, Solete me dijo: «Y ahora Carlitos ¿qué con qué?». 

Era una pregunta, la misma que acompaña a un proceso creativo que invita a buscar una asociación de objetos, de ideas para llegar a algo, para obtener un resultado original. Esa pregunta, que subyace siempre en la dinámica de mi trabajo, es una provocación continua que me impulsa en cualquier proyecto que acometo. Es un grito de guerra que me conduce unas veces a iniciar y otras a continuar el proceso de creación. ¿Qué con qué?

Más tarde vendrá el cómo y el para qué…, pero eso es otra historia. En arte crear exige un ejercicio de sensibilidad, concentración, constancia, dedicación y trabajo, al que luego se añaden otras muchas cosas.

Carlos Baonza

“La vida es lo que hacemos de ella. Los viajes son los viajeros. Lo que vemos no es lo que vemos, sino lo que somos”. Esta declaración, casi un manifiesto, incluido en el Libro del desasosiego de Fernando Pessoa es la hoja de ruta no consensuada que comparten los artistas que integran esta exposición.

El viaje, más su anhelo que su consecución, ha sido motor de arranque para el proceso creativo de fotógrafos desde los orígenes de esta disciplina. Proyectar un viaje es, para un fotógrafo, escoger un territorio donde liberar las inquietudes y obsesiones que permanecían en cautiverio en su residencia habitual. Lo que para el resto de la población representa una desconexión, una forma de olvidar transitoriamente las obligaciones y responsabilidades del trabajo y la rutina, para el colectivo de los creadores de imágenes se plantea como la oportunidad de renovar un compromiso personal con la esencia de su oficio: moverse para mirar, desplazarse para fotografiar.

Y es en esa reconexión con el núcleo donde comienzan las preguntas acerca de la naturaleza de un viaje concebido, en apariencia, como una pausa en la actividad cotidiana. ¿Qué significa partir de vacaciones para un fotógrafo? ¿Cómo son las imágenes de recreo de alguien cuyo trabajo el resto del año consiste en generar imágenes? ¿En qué se diferencian sus fotografías de las que disparan con sus móviles los miles de viajeros que encuentra en su camino? Para empezar el fotógrafo siempre viaja solo, aunque lo haga rodeado de gente. Las imágenes que realiza no suelen dar cuenta de un lugar bonito o un descubrimiento exótico, sino que nacen como resultado del encuentro entre una búsqueda preexistente y un hallazgo azaroso. De alguna manera, las imágenes ya estaban en la mochila del fotógrafo antes de iniciar el viaje, esperando adoptar en el camino su forma definitiva. El viaje del fotógrafo, como el de Ulises, siempre es en busca de su verdadera identidad.

En 1978 tuvo lugar en el Museo de Arte Moderno de Nueva York la icónica exposición Espejos y Ventanas, en la que su comisario, el conservador de fotografía del museo John Szarkowski, sugería una dicotomía entre los fotógrafos-espejo, que basan su trabajo en la expresión de su mundo interior, y los fotógrafos-ventana, cuya obra nace de la exploración del mundo exterior. Casi medio siglo después, los fotógrafos que componen la presente exposición han resuelto esa dualidad buscando fuera las respuestas a las preguntas que surgen de dentro, mirándose en la ventana y asomándose al espejo indistintamente, para encontrar en el camino un eco de su propia voz.

Esta exposición indaga la relación entre el viaje y los fotógrafos y, más específicamente, en el contraste paradójico entre el empleo del tiempo de ocio y la necesidad compulsiva de seguir produciendo imágenes no precisamente casuales o improvisadas. Más de 150 obras realizadas por 30 fotógrafos se despliegan a lo largo de los seis capítulos veraniegos que componen esta muestra: El viaje, Paisajes de tránsito, Familia y otros animales, Estados de excepción, Final de verano y Reel. Un recorrido coronado por un cine de verano imaginario que reúne secuencias de diversas películas de temática estival en diálogo con el cuerpo de la exposición. El resultado es una odisea colectiva de imágenes que los fotógrafos han tomado en una fértil soledad. Un periplo que se condensa, de nuevo, en la agitada revelación de Pessoa: “De cualquier viaje, por breve que sea, regreso como de un sueño lleno de sueños”.

Matías Costa

MATÍAS COSTA

Matías Costa, comisario y creador de este proyecto, nació en Buenos Aires en 1973. Llegó a España siendo aún niño en 1977. Se licenció en Ciencias de la Información en la Universidad Complutense de Madrid y comenzó a hacer fotografías en 1989 de manera autodidacta. Tras realizar un curso de fotografía documental en el Taller de Tecnologías Audiovisuales de Madrid, en 1992 publicó por primera vez sus imágenes en prensa.

Ha sido fundador y miembro del colectivo NOPHOTO hasta 2012, junto a Marta Soul, Juan Valbuena, Eduardo Nave y Juan Millás, entre otros. Su trabajo fotográfico está representado por la Galería Freijo de Madrid y la agencia británica Panos Pictures, es el responsable y comisario de la programación de exposiciones en Leica Gallery Madrid e imparte cursos y talleres como profesor asociado en la Universidad de Alcalá de Henares y la Escuela Universitaria de Artes TAI en Madrid.

Ha recibido, entre otros muchos galardones, el premio World Press Photo en dos ocasiones y fue el primer Premio Descubrimientos del festival PhotoEspaña. Así como una de las prestigiosas Becas Leonardo de la Fundación BBVA, el Premio Internacional de Fotografía Banca March, la Beca de la Fundación La Caixa y la Fondation Jean-Luc Lagardère y nominaciones al Prix Pictet y al Premio Gabo de la Fundación Gabriel García Márquez.

Destacan sus exposiciones en la Sala Canal de Isabel II, Museo Reina Sofía, Centro de Arte de Alcobendas, Albert Hall Museum, Fundación Mapfre, Photobiennale de Moscú, Centro de Arte La Regenta o el Centro de la Imagen de Ciudad de México.

Ha publicado los libros monográficos SOLO, Zonians, The Family Project y Photobolsillo, así como libros colectivos como Diccionario de fotógrafos españoles, Lugares de tránsito o Aquí y ahora.

Ha sido durante 10 años fotógrafo corresponsal para The New York Times en España y Suiza, así como colaborador habitual de medios como El País Semanal, The Guardian, Stern, Smithsonian o La Repubblica, entre otros.